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viernes, 16 de marzo de 2012
Katharine Hepburn :considerada la mejor actriz de todos los tiempos
Marlene Dietrich : Una mítica diva del siglo xx
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Marlon Brando : Una leyenda del séptimo arte
Marlon Brando (Omaha, 3 de abril de 1924 – Los Angeles, 1 de julio de 2004) fue un actor estadounidense ganador del premio Oscar. Nació y creció en Omaha, en el estado de Nebraska, con el nombre de Marlon Brando, al igual que su padre. Considerado el máximo exponente del Method Acting (Actuación de método) y conspicuo discípulo del Actor's Studio y su ideólogo Lee Strasberg.
Su madre era una mujer muy cordial que actuaba en el teatro local, y que despertó el interés del niño por la interpretación. Brando tuvo desde pequeño el don de observar a la gente e imitar sus gestos, lo cual hacía llevándolos al extremo. Fue un adolescente rebelde, y fue expulsado de varios colegios. Su padre lo reprimía por ello, pero le animó a buscar su propio camino. Brando marchó a Nueva York, donde estudió interpretación primero en la New School y después en el famoso Actor's Studio.
Terminada su formación, comenzó a trabajar en varios teatros de temporada, hasta que en 1944 consiguió un papel en Broadway. En 1946, y antes de hacerse un nombre en el círculo teatral, llamó la atención en una pequeña obra llamada Truckline Cafe. La actuación de Brando fue realista al punto de que la crítica Pauline Kael llegó a creer que el actor estaba sufriendo un ataque en el escenario. Pocos años después, se convirtió en una estrella del teatro cuando interpretó la obra de Tennessee Williams Un tranvía llamado deseo, dirigida por Elia Kazan. Brando sabía que Williams estaba realizando entrevistas para elegir los actores para su obra y lo fue a ver, con el resultado de que obtuvo el papel protagonista.
Su primera aparición en el cine la tuvo en 1950 en la película The Men, una historia sobre veteranos de guerra convertidos en minusválidos. Fiel a su método de analizar los personajes que interpretaba para actuar en consonancia con ellos, Brando pasó un mes en un hospital militar para preparar su papel.
El actor interpretó a un soldado herido en batalla, paralizado de la cintura hacia abajo. En este primer filme, logró impresionar con una interpretación sensible e introspectiva. En los primeros años en el cine, Brando manifestó una falta de interés total por las convenciones de la industria cinematográfica, actuando según su propio criterio. Con ello influyó a otros actores como James Dean, Paul Newman, y más tarde también Robert De Niro.
Brando tuvo un éxito mucho mayor cuando actuó en la película de 1951 Un tranvía llamado deseo, basada en la obra teatral que ya había interpretado. En el filme compartió roles con Vivien Leigh, Karl Malden y Kim Hunter. Fue nominado al Oscar como mejor actor principal por esta película, y los tres años siguientes recibió otras tantas nominaciones por su actuación en Viva Zapata, Julio César y On the Waterfront. Por esta última película Brando ganó el Oscar.
Con base en estos éxitos, la carrera de Brando siguió en ascenso. En los años siguientes intervino en varias películas de géneros diversos, incluida la comedia, como en La casa de té de la luna de agosto, en la que da vida a un japonés que hace de intérprete para las fuerzas de ocupación americanas. Sin embargo, al final de los años cincuenta sus interpretaciones comenzaron a decaer. Brando parecía haber perdido su fuerza expresiva y las pautas que él mismo había establecido para su trabajo y que le habían dado tan buen resultado.
En los años sesenta la carrera de Brando decayó aún más. Sus actuaciones carecieron de toda inspiración, como en Rebelión a bordo y otras películas en las que intervino. A pesar de que conservaba su prestigio de las primeras películas, su popularidad había alcanzado un punto mínimo. Tampoco los productores y los directores confiaban en él, debido a sus interpretaciones mediocres y a su condición de actor difícil. Sin embargo había excepciones, como Arthur Penn, quien le reconocía como un gran actor.
Las cosas cambiaron para Brando cuando se le presentó la oportunidad de interpretar al jefe de una familia mafiosa en El Padrino, basado en una novela de Mario Puzo. Fue Brando quien insistió en que se hiciera una prueba filmada del personaje interpretado por él, y se ocupó personalmente del maquillaje. El director Francis Ford Coppola quedó impresionado por Brando caracterizado como Vito Corleone y tuvo que luchar por convencer a los productores para que aceptasen a Brando para este papel.
Por esa interpretación Brando consiguió su segundo Óscar. En esta ocasión Brando rechazó el Óscar, lo cual ocurrió por segunda vez en la historia de Hollywood (la primera vez la había rechazado el actor George C. Scott). En lugar de recoger el premio, Brando envió a la ceremonia a una actriz estadounidense de origen indio, que se manifestó en contra del tratamiento que recibía su pueblo en las películas de Hollywood.
Desde entonces la trayectoria de Brando fue muy irregular. Apareció en algunas buenas películas, y también en otras de poca relevancia. Interesante fue su caracterización como Tomás de Torquemada en Cristóbal Colón: el descubrimiento. Siguió siendo considerado como un gran actor, por lo que intervino también en películas en las que apareció sólo unos pocos minutos. Destaca Don Juan de Marco, donde aleccionaba en cuestiones de amor a Johnny Depp, con quien forjó amistad en la vida real. En dicha película, tuvo por partenaire a Faye Dunaway.
En 2001 apareció en el corto (videoclip) para la canción You rock my world de Michael Jackson.
Marlon Brando murió el 1 de julio de 2004 en Los Ángeles, California a la edad de 80 años.
En 2006, gracias a la tecnología, reaparece como Jor-El, el padre de Superman, en la película Superman Returns. Ello fue posible porque se reutilizaron descartes de su participación en la primera película de la saga, de 1978.
Brando fue expulsado de la Academia Militar de Shattuck a los 17 años por mal comportamiento. Luego de esto, decidió seguir a su hermana Dorothy a Nueva York, para estudiar teatro con Stella Adler, discípula del director ruso Konstantin Stanislavski. El temperamento tormentoso de Brando salió a la luz pública cuando se exhibió la terrible relación que sostenía con su dominante e irritante padre, quien nunca le reconoció sus logros actorales, y que fue muy tensa hasta el final de su vida.
Brando estuvo casado en tres ocasiones y fue padre de nueve niños. Su primer matrimonio con Anna Kashfi fue públicamente tormentoso y duró dos años y el segundo con Movita ocho. Su tercera esposa fue Tarita, la mujer tahitiana que interpretó a su compañera en El motín del Bounty. A raíz de esa película Brando se enamoró también de Tahití y adquirió una pequeña isla en el archipiélago, donde vivía cuando sus obligaciones profesionales se lo permitían. Con Tarita también tuvo problemas a pesar de los esfuerzos de Tarita por conservar su matrimonio. Tarita, una vez separada, reveló las intimidades matrimoniales de su fracasado matrimonio, Brando aunque aparentó no dar importancia a lo dicho, nunca se reconcilió. Participó en muchas actividades en defensa de la situación de los negros afroamericanos y también de la defensa del indio aborigen norteamericano, logrando codearse con Richard Nixon y los Kennedy en algún momento.
En el año 1990 vive una de sus más grandes tragedias personales. El novio de una de sus hijas es asesinado en la residencia familiar de Mulholland Drive. La situación se convirtió en un circo mediático cuando a Christian (su hijo primogénito nacido de su primer matrimonio), el mayor de los hijos de Brando, se le acusa de ser el autor material del homicidio. El episodio marca profundamente a su entorno familiar: Christian fue obligado a cumplir seis años de prisión y Cheyenne se suicida cinco años más tarde.
Falleció el 1 de julio de 2004 en Los Ángeles, a los 80 años producto de una fibrosis pulmonar, sin embargo Brando será siempre considerado una leyenda del séptimo arte. Sus restos fueron cremados en un lugar que no fue revelado por petición expresa de su familia.
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Dirk Bogarde :la mayor estrella cinematográfica británica en el siglo XX
Sir Derek Jules Gaspard Ulric Niven van den Bogaerde (28 de marzo de 1921 – 8 de mayo de 1999), más conocido por el nombre artístico de Dirk Bogarde, fue un consagrado y prolífico actor de carácter y además escritor británico.
Bogarde nació en West Hampstead (Londres), de ascendencia neerlandesa y escocesa. Su padre, Ulric van den Bogaerde (nació en Perry Barr, Birmingham) era el editor artístico de The Times y su madre, Margaret Niven era actriz. Se unió al ejército y participó en la Segunda Guerra Mundial, alcanzando el rango de capitán. Bogarde estuvo en las batallas de Europa y el Pacífico, principalmente como oficial de inteligencia. En abril de 1945 fue uno de los primeros oficiales aliados en llegar al campo de concentración Bergen-Belsen en Alemania, una experiencia que lo marcó bastante y de la cual no pudo hablar durante varias décadas. Su horror y repulsión hacia la crueldad que vio en Belsen ayudaron a crear una especie de hostilidad hacia Alemania; en los años 90 escribió que bajaría de un ascensor antes que estar en uno junto a un alemán. Irónicamente, tres de sus papeles más importantes serían interpretando a un alemán (uno de ellos, un oficial de las SS).
Tras la guerra, la atractiva apariencia varonil de Bogarde le permitió comenzar una carrera como actor, siendo contratado por la Rank Organisation.
En 1950 logró cierto reconocimiento tras su papel como el criminal Tom Riley, quien disparó al policía George Dixon en The Blue Lamp; pero fue la comedia Doctor in the House (1954), producida por Betty Box, dirigida por Ralph Thomas y coprotagonizada por Kenneth More, Donald Sinden y James Robertson Justice, la que hizo de Bogarde una estrella.
Durante los años cincuenta, interpretó a un asesino que se hace amigo de un joven en Hunted (1952, también conocida como The Stranger in Between); un aviador que, en contra de las órdenes, se une a un gran ataque en contra de los alemanes en Appointment in London (1953); el papel de un sargento atrapado en una lancha con sir Michael Redgrave en The Sea Shall Not Have Them (1954) y, en The Sleeping Tiger (1954), a un criminal, acompañado del actor Alexis Smith.
La primera película de Bogarde junto al director Joseph Losey, Doctor at Sea (1955), coprotagonizada por Brigitte Bardot en uno de sus primeros papeles cinematográficos; Cast a Dark Shadow (1955), como un hombre que se casa por dinero y luego asesina a su esposa; The Spanish Gardner (1956), coprotagonizada por Cyril Cusack y Bernard Lee; Doctor at Large (1957), otro trabajo de la serie de doctores, coprotagonizada por Shirley Eaton; A Tale of Two Cities (1958), una adaptación del cásico de Charles Dickens; The Doctor's Dilemma (1959), por George Bernard Shaw y coprotagonizada por Leslie Caron y Robert Morley, no es parte de la serie de doctores; y Libel (1959), interpretando a tres personajes y coprotagonizada por Olivia de Havilland.
Bogarde se convirtió rápidamente en un ídolo de matiné y se convirtió en el británico más popular de Hollywood durante los años cincuenta. La principal característica de las actuaciones de Bogarde era su natural desenvoltura frente a las cámaras, no costándole asumir complicados perfiles de sus personajes, de hecho fue uno de los primeros actores en interpretar a un bisexual en la pantalla inglesa.
Tras 1960, Bogarde adoptó trabajos más difíciles, como su personaje en Victim (1961); Hugo Barrett en The Servant (1963) (dirigida por Joseph Losey); el reportero de televisión Robert Gold en Darling (1965); Stephen, un profesor de la Universidad de Oxford, en Accident (1967); el empresario alemán Frederick Bruckman en la película de Luchino Visconti The Damned (1969); el exnazi, Max, en la controversial The Night Porter (1974) dirigida por Liliana Cavani; y, el más conocido, Gustav von Aschenbach en Muerte en Venecia (1971) también dirigida por Luchino Visconti. Estas filmografías son la edad de oro de Bogarde.
Otras películas de Bogarde durante los años sesenta y setenta fueron The Angel Wore Red (1960), donde hizo de un sacerdote que se enamora del personaje de Ava Gardner, quien trabaja en un cabaret durante la Guerra Civil Española; Song Without End (1960), donde interpreta a Franz Liszt y dirigido por George Cukor; The Singer Not the Song (1961), como un bandido mexicano y coprotagonizada por Sir John Mills como sacerdote. HMS Defiant (también conocida como Damn the Defiant!) (1962), donde hace al personaje del teniente Scott-Padget junto a Sir Alec Guinness; I Could Go On Singing (1963), interpretando a David Donne coprotagonizando con Judy Garland en su último papel cinematográfico; The Mind Benders (1963), una película sobre experimentos en la Universidad de Oxford (precursora de Altered States (1980)) interpretando al Dr. Henry Longman; Hot Enough For June (1964), (también conocida como Agent 8 3/4) (1964), una parodia de James Bond interpretando al agente secreto Nicholas Whistler; King And Country (1964), haciendo el papel del Capitán Hargreaves, junto a Tom Courtenay; Modesty Blaise (1966), película de espías donde hizo del archivillano Gabriel; Our Mother's House (1967), donde interpretó a Charlie Hook, padre de siete hijos, dirigido por Jack Clayton; The Fixer (1968), basada en la novela de Bernard Malamud donde hizo de Bibikov, coprotagonizada por Alan Bates; Sebastian (1968), interpretando al profesor de la Universidad de Oxfor Mr. Sebastian junto a Sir John Gielgud, Susannah York y Lilli Palmer; Oh! What A Lovely War (1969), haciendo el papel de Stephen, coprotagonizada por Sir John Gielgud y dirigida por Sir Richard Attenborough; Justine (1969), interpretando a Pursewarden y dirigida por George Cukor; Le Serpent (1973), haciendo el papel de Boyle, coprotagonizada por Henry Fonda y Yul Brynner; A Bridge Too Far (1977), en el controvertido papel del General Frederick "Boy" Browning junto a Sean Connery, y otras estrellas; Providence (1977), interpretando a Claude Langham y coprotagonizada por Sir John Gielgud; Despair (1978), como Hermann Hermann; y Daddy Nostalgie (1991) haciendo de Daddy junto al actor Jane Birkin, en la última interpretación cinematográfica de Bogarde.
Mientras estaba en la Rank Organisation, Bogarde fue considerado para la versión cinematográfica de Lawrence Of Arabia, la cual sería dirigida por Anthony Asquith. El rol de Lawrence finalmente fue entregado a Peter O'Toole, en una película distribuida por Columbia Pictures en 1962 y dirigida por David Lean. El no poder interpretar a Lawrence de Arabia fue una de las grandes descepciones de Bogarde en la industria del cine. Bogarde también fue considerado para el rol en la película de MGM Doctor Zhivago (1965). Mientras trabajaba en Darling con Julie Christie, recibió la noticia de que interpretaría a Lara en Zhivago, pero Bogarde no. Algunos años antes, había rechazado el rol de Gaston en Gigi (1958) de MGM. Cualquiera de estos tres papeles le hubieran dado reconocimiento internacional, pero no fue así. Sin embargo, Bogarde dejó su legado en un estilo diferente de personajes, más controvertidos.
Bogarde fue nominado seis veces como mejor actor por la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (BAFTA), ganando dos veces por The Servant en 1963 y Darling en 1965. Además recibió el premio a la trayectoria del Círculo de Críticos Cinematográficos de Londres en 1991.
Entre 1939 y 1991 hizo 63 películas.
En 1977 Bogarde se dedicó a su segunda carrera, como escritor. Comenzando con su primer volumen A Postillion Struck by Lightning, escribió una serie de autobiografías, novelas y críticas de libros. Como escritor Bogarde demostró ser un autor de estilo elegante.
Bogarde nunca contrajo matrimonio, y durante su vida, se dijo que era homosexual. Durante varios años compartió su hogar con su representante Anthony (Tony) Forwood (esposo de la actriz Glynis Johns y padre del actor Gareth Forwood), pero negó varias veces que su relación fuese algo más que amistad.
Aunque Bogarde ha sido criticado por algunos ya que nunca hizo conocer su situación, protagonizó la película de 1961 Victim donde interpretaba a un bisexual en Londres que mantenía una relación sentimental con un joven. Victim es considerada la primera película británica en tratar seriamente el tema de la homosexualidad. La película ayudó a cambiar las leyes que afectaban a los homosexuales en el Reino Unido, gracias a las labores de Harold Wilson en 1967.
La relación más seria de Bogarde con una mujer fue con la actriz francesa Capucine, con la cual quería casarse.
En 1984 Bogarde fue presidente del jurado del Festival de Cine de Cannes. Esto significó un gran honor para Bogarde, ya que fue el primer británico en ocupar este puesto.
Los papeles de Bogarde lo convirtieron en un artista de culto. El cantante Morrissey era uno de sus fanáticos, y, según Charlotte Rampling, Bogarde recibió una oferta en 1990 de Madonna para aparecer en su video Justify My Love, citando The Night Porter como inspiración. Bogarde rechazó su oferta.
Dirk Bogarde recibió el título de caballero en 1992 debido a sus servicios mediante la actuación, y recibió otros honores de las universidades St. Andrews y Sussex. Debido a su hábito de fumar, Bogarde sufrió un pequeño infarto en noviembre de 1987, mientras Tony Forwood estaba muriendo debido a su cáncer y enfermedad de Parkinson.
En septiembre de 1996 se sometió a una operación debido a complicaciones arteriales, y sufrió un severo tromboembolismo pulmonar inmediatamente tras la intervención. Durante los últimos tres años de su vida Bogarde tuvo un lado de su cuerpo paralizado, esto además afectó su voz.
Logró, sin embargo, completar un último volumen autobiográfico. Antes de morir pasó sus últimos días junto a su amigo Luren Bacall. Sir Dirk Bogarde murió en Londres de un ataque cardíaco el 8 de mayo de 1999 a la edad de 78 años.
Sus cenizas fueron esparcidas en el estado de Le Haut Clermont cerca de Grasse, al sur de Francia.
Sir Dirk Bogarde es considerado por algunos como la mayor estrella cinematográfica británica en el siglo XX
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Cantinflas (Mario Moreno) :el mejor cómico mexicano de todos los tiempos.
Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes (n. 12 de
agosto de 1911 - m. 20 de abril de 1993), "Cantinflas" como se le
conocía mundialmente, fue un célebre comediante del teatro mexicano y de la
industria cinematográfica, además de torero cómico y ganadero de reses bravas.
Es considerado el mejor cómico mexicano de todos los tiempos.
Como pionero del cine mexicano, Mario Moreno
ayudó a su crecimiento en la época de oro. Su éxito, como parte del floreciente
cine mexicano, ayudó a convertir a México en la capital americana del
entretenimiento. Además de ser un líder en los negocios, también llegó a
involucrarse en los difíciles y a veces peligrosos asuntos de política de
México. Aunque él mismo era políticamente conservador, su reputación como
portavoz de los desprotegidos le dio a sus acciones autenticidad y se convirtió
en alguien importante en la lucha contra el charrismo sindical, que era la
práctica del gobierno de un sólo partido de manejar y controlar los sindicatos.
Además, su personaje Cantinflas, cuya
identidad se mezcló con la de él, fue analizada por los críticos de los medios
de comunicación, filósofos, antropólogos y lingüistas, quienes lo veían como un
peligro para la sociedad mexicana, una marioneta burguesa, un tipo de
filántropo, un capitalista aventurero, un violador de los papeles del sexo, un
católico pío, un innovador verbal y un payaso picaresco.
En efecto, Mario Moreno era todo eso. Su personaje
Cantinflas, en su intento por abarcar la identidad de toda una nación,
desarrolló las contradicciones y complejidades inherentes en cualquier intento
de representar a un país tan complejo y contradictorio como lo es México.
Se casó con Valentina Ivanova Zubareff, de
origen ruso, el 27 de octubre de 1936 y permaneció con ella hasta su muerte en
1966. Mario Moreno tuvo un hijo en 1961 y fue adoptado por Valentina Ivanova y
lo nombró Mario Arturo Moreno Ivanova.
Sirvió como presidente de la ANDA
"Asociación Nacional de Actores" y fue el primer secretario general
del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica (STPC) ademas
entra a la Masoneria mexicana.
Después de retirarse, Mario Moreno dedicó su
vida a ayudar a los demás a través de la caridad y de organizaciones
humanitarias sobre todo las que se dedicaban a ayudar a los niños. Sus
contribuciones a la Iglesia Católica Romana y a los orfanatos lo hicieron un
héroe del pueblo en México.
Murío a causa del cáncer de pulmón el 20 de
abril de 1993, miles de personas se reunieron en un día lluvioso para su
funeral. La ceremonia fue un evento nacional que duró tres días. Sus cenizas
yace en la cripta familiar de la familia Moreno Reyes , en el Panteón Español
de la Ciudad de México y ha sido homenajeado por muchos jefes de estado y por
el Senado de los Estados Unidos, que mantuvo un momento de silencio por él.
Después de su muerte, comenzó una batalla
legal entre su hijo y legítimo heredero, Mario Moreno Ivanova, y el sobrino del
actor, Eduardo Moreno, sobre el control de 34 películas hechas por Cantinflas.
El sobrino sostenía que su tío le había dado permiso escrito para tomar los
derechos de las películas cuando estaba en su lecho de muerte. Moreno Ivanova
argumenta que es el heredero directo de Cantinflas y por lo tanto los derechos
le pertenecen. Eduardo Moreno ganó la demanda en dos ocasiones pero Moreno
Ivanova triunfó eventualmente luego de dos apelaciones.
Al mismo tiempo, otra demanda surgió entre
Columbia Pictures y Mario Ivanova sobre el control de esas películas. Columbia
dice que compró los derechos de las películas hace cuatro décadas en una corte
que notó varios errores en los documentos. Moreno Ivanova quería que los
derechos quedaran en su poder y, más generalmente, en el poder de México, como tesoro
nacional. El 2 de junio del 2001, luego de 8 años de batalla, finalmente
Columbia se quedó con los derechos de las 34 películas disputadas
De joven, Mario Moreno realizaba una variedad
de actos en carpas rodantes, y fue en ellas donde recibió el apodo de
"Cantinflas"; sin embargo, el origen del nombre se pierde en la
leyenda. Según un obituario, es un nombre sin significado alguno que fue
inventado a fin de evitar que sus padres se enteraran que trabajaba en el
negocio del entretenimiento, al que consideraban una ocupación avergonzante. En
otra versión, el crítico de medios de comunicación, Carlos Monsiváis cita el
legendario origen del discurso del personaje:
"De acuerdo a una leyenda con la que él
está de acuerdo, el joven Mario Moreno, intimidado por el pánico escénico, una
vez en la carpa Ofelia olvidó su monólogo original. Comenzó a decir lo primero
que le viene a la mente en una completa emancipación de palabras y frases y lo
que sale es una brillante incoherencia. Los asistentes lo atacan con la
sintaxis y él se da cuenta: el destino ha puesto en sus manos la característica
distintiva, el estilo que es la manipulación del caos. Semanas después, se
inventa el nombre que marcará la invención. Alguien, molesto por las frases sin
sentido grita: "cuánto inflas" o "en la cantina inflas", la
contracción se crea y se convierte en la prueba del bautismo que el personaje
necesita".
Antes de comenzar su vida profesional dentro
del entretenimiento, exploró un número de posibles carreras como la medicina y
el boxeo profesional antes de unirse al mundo del entretenimiento como
bailarín. Para 1930, ya se había unido al circuito de carpas de la ciudad de
México, turnándose entre las carpas Ofelia, Sotelo de Azcapotzalco, y
finalmente la carpa Valentina, donde conoció a su futura esposa. Al principio
trató de imitar a Al Jolson pintándose la cara con pintura negra, pero después
se separó para formar su propia identidad como un habitante de un barrio pobre
con pantalones holgados, una soga como cinto y un bigote muy particular. En las
carpas bailaba, realizaba acrobacias y jugaba el papel de varias profesiones.
En 1936, Mario Moreno hizo su debut en el
teatro Folies Bergère de la ciudad de México. Habiendo dejado el ambiente de
clase baja que tenía un humor más básico, el cantinflismo, la broma política
que retaba la noción de que el humor de Cantinflas era vacío, había nacido. En
1937, el político Vicente Lombardo Toledano le respondió a su rival político:
"Si Morones ha decidido mostrar su poder dialectal, que discuta con
Cantinflas". Estando directamente involucrado en el debate, Cantinflas
respondió:
"Ah, pero déjenme dejar algo bien en
claro, tengo momentos de lucidez y hablo muy claro. Y ahora hablaré con
claridad... Amigos, hay momentos en mi vida que son realmente momentáneos y no
es porque uno lo diga, pero hay que verlo...¿Qué vemos? lo que hay que ver...
porque que coincidencia amigos, que suponiendo que en este caso -no digamos lo
que podría ser- pero debemos pensar en ello y y entender la psicología de vida
para hace una analogía de la síntesis de la humanidad, ¿correcto? Bien, ese es
el punto".
Figuras de la comunicación e intelectuales
incluyeron la definición de cantinflismo en publicaciones subsecuentes.
Monsiváis lo interpreta en la presidencia izquierdista de Lázaro Cárdenas
llamándolo "una burla del proletariado de disparates gloriosos". Pero
tal vez la definición del escritor contemporáneo Miguel Ríos sea más elocuente:
"Es como si Cantinflas fuera, más que
nadie, el dictador mexicano del optimismo...coquetea con la política como si
fuera el político más experimentado. Se convierte en líder y proletariado con
sólo cambiarse el sombrero o una frase".
El involucramiento político de Mario Moreno
fue un cambio notable y su inocencia cómica ya no era suficiente para
defenderlo de la crítica que eso significó.
mediados de los años 30, Cantinflas conoció al
productor ruso Jacques Gelman y posteriormente se asoció con él para formar su
propia producción cinematográfica. Gelman, producía, dirigía y distribuía
mientras Cantinflas actuaba. Cantinflas hizo su debut en 1936 en la película No
te engañes corazón pero la película recibió poca atención. En 1939 estableció
Posa Films, produciendo películas cortas que le permitieron desarrollar el
personaje de Cantinflas pero fue en 1940 cuando finalmente se convirtió en una
estrella después de rodar Ahí está el detalle. La frase que le dio su nombre a
la película se convirtió en el principal dicho de Cantinflas por el resto de su
carrera. La película fue un éxito en Latinoamérica y fue reconocido por la
revista Somos como una de las 10 más grandes producciones de México.
En 1941, Mario Moreno hizo primero el papel de
un oficial de policía en la película El gendarme desconocido. Para entonces ya
se había distinguido bastante del típico "peladito" de los años 20 y
su personaje pasaba cómodamente de ser el hombre marginado de clase baja al
poderoso servidor público. La naturaleza política de la retórica del
cantinflismo facilitó esta fluidez. Volvería a tomar el papel del agente 777 y
sería homenajeado por las fuerzas policíacas en toda América Latina por su imagen
positiva de la aplicación de la ley.
Ni sangre ni arena, una película satírica
acerca del toreo en 1941, rompió niveles de taquilla de películas mexicanas en
varios países de América. En 1942 se agrupó con Miguel M. Delgado y Jaime
Salvador para producir una serie de parodias de baja calidad incluyendo una
interpretación de "El Circo" de Chaplin.
Los años 40s y 50s fueron los mejores para
Cantinflas. En 1946 rechazó trabajar con las compañías mexicanas y firmó
contratos con Columbia Pictures. Para entonces, su popularidad era tal, que
pudo prestar su prestigio a la causa del trabajo mexicano, representando la
Asociación Nacional de Actores en conversaciones con el presidente Manuel Avila
Camacho. Sin embargo las pláticas no dieron buenos resultados y como resultado
de un escándalo, decidió retractarse y regresar al teatro.
El 30 de agosto de 1953, Cantinflas comenzó a
llevar a cabo su obra teatral Yo Colón en el Teatro de los Insurgentes, el
mismo teatro que se había visto envuelto en una controversia sobre un mural de
Diego Rivera que incorporaba imágenes de Cantinflas y de la Virgen de
Guadalupe. Los críticos, incluyendo ciertos grupos conservadores, y el
arzobispo Luis María Martínez, tildaron la obra como "blasfema" y
eventualmente fue pintada sin la imagen de la virgen.
Yo Colón colocó a Cantinflas en el personaje
de Cristóbal Colón quien, mientras continuaba "descubriendo América"
hizo observaciones cómicas, históricas y contemporáneas desde diferentes
perspectivas. Las bromas cambiaban cada noche y Moreno continuó empleando su
juego de palabras y doble sentido para atacar a los políticos.
En 1956, La Vuelta al Mundo en 80 Días, el
debut estadounidense de Cantinflas, lo hizo ganar una nominación al premio
Globo Dorado en la categoría de mejor actor de musical o comedia, en esta cinta
actúa junto al actor inglés David Niven. La revista Variety dijo en 1956 que su
calidad chaplinesca contribuyó al éxito de la película. Esta película recaudó
la cantidad de $42 millones de dólares en taquilla. Mientras que Niven fue el
principal actor en los países de habla inglesa, Cantinflas lo fue en el resto
de los países. Como resultado de la película, Cantinflas se convirtió en el
actor mejor pagado del mundo.
La segunda película estadounidense de
Cantinflas, Pepe, intentó replicar el éxito de la primera. La película incluyó
apariciones ráfaga de Frank Sinatra, Judy Garland, y otras estrellas. Su humor,
profundamente arraigado en la lengua española, no se pudo traducir bien para
las audiencias estadounidenses y la película fue una notable decepción
taquillera. A pesar de eso, recibió otra nominación al Globo Dorado por su
actuación. Después en 1992, durante una entrevista estadounidense, Mario Moreno
confesó que el principal impedimento para su éxito en los Estados Unidos era la
barrera de la lengua. Después de regresar a México, Cantinflas creó su propia
compañía, Cantinflas Films, y continuó haciendo películas hasta su última, que
fue El Barrendero, realizada en 1982.
Como Charlie Chaplin, Cantinflas era un
satírico social. Hacía el papel de el peladito, un don nadie, con esperanzas de
tener éxito. Con admiración mutua, Cantiflas fue influenciado por las primeras
películas de Chaplin así como por su ideología. El Circo era una
"sombra" del cine mudo de Chaplin. El Circo y Si yo fuera diputado
tenían muchas cosas en común con la película de 1940, El Gran Dictador.
Las películas de Cantinflas, hasta la fecha le
siguen generando ganancias a Columbia Pictures. En el 2000, Columbia informó un
aproximado de $4.000.000,00 de dólares generado por las ganancias de la
distribución en otros países.
Entre las cosas que lo hicieron querido por el
público estaba el uso cómico del lenguaje en sus películas; sus personajes (los
cuales casi todos era una variación del mismo personaje pero en diferentes
papeles y situaciones) entablaban una conversación normal para después
complicarla al punto de que nadie entendía lo que estaba diciendo. El personaje
de Cantinflas era particularmente adepto para ofuscar la conversación cuando le
debía dinero a alguien, al cortejar señoritas o al tratar de salir de problemas
con las autoridades, arreglándoselas para humillarlas sin que se dieran cuenta.
A esta forma de hablar se le llamó Cantinfleada y se convirtió en español en
una forma de decir ¡estás cantinfleando! cada vez que a alguien le era difícil
entender la conversación. La Real Academia Española incluyó el verbo
cantinflear y las palabras cantinflas y cantinfleada en su diccionario en 1992.
En el campo de las artes visuales, artistas de
la talla de Rufino Tamayo y Diego Rivera pintaron a Cantinflas como un símbolo
del hombre mexicano. La banda de punk americana Mindless Self Indulgence grabó
una canción sobre Cantinflas llamada "Whipstickagostop".
El estilo de Cantinflas y el contenido de sus
películas llevó a muchos estudiantes a concluir que él había influenciado los
muchos teatros que pasaban el mensaje del Movimiento Chicano durante los años
60s y 70s en los Estados Unidos, de los cuales, el más importante era El Teatro
Campesino. El movimiento del teatro era una parte importante del renacimiento
cultural que era la contraparte social del movimiento político por los derechos
civiles de los mexico-norteamericanos. Su uso de los estilos y temas sociales
es visto como un precursor del teatro Chicano.
En los años 70s apareció una serie de dibujos
animados llamado "El Show de Cantinflas" protagonizada por una
caricatura animada de Cantinflas. El show era dirigido a los niños y tenía un
propósio educativo. El personaje animado era llamado "Amigo" y se
concentraba en una variedad de temas para educar a los niños que iban desde el
origen del fútbol hasta el origen de la Línea Internacional del Tiempo.
Aunque Cantinflas nunca logró en Estados
Unidos el mismo éxito que cosechó en México, fue homenajeado con una estrella
en el Paseo de la Fama de Hollywood. Recibió dos nominaciones al premio Globo
de Oro en la categoría de mejor actor y el reconocimiento a los logros de su
vida por parte de la Academia Mexicana del Filme.
El premio Mario Moreno "Cantinflas"
es entregado anualmente a los actores del entretenimiento que "representan
a la comunidad latina con el mismo humor y distinción que el legendario
Cantinflas" y que, como Cantinflas, usan su poder para ayudar a los más
necesitados.
En el 2002, el estadounidense - salvadoreño
(aunque él se describe como chicano) Herbert Sigüenza, artista, comediante y
miembro de Culture Clash, comenzó a actuar en un monólogo acerca de Cantinflas
que hizo gira por todo el país. La obra, hablada en inglés y español, incorporó
rasgos comunes en las películas de Cantinflas y recreó muchas de las rutinas de
comedia del actor, tal como su caminar característico. Las películas de
Cantinflas son distribuidos en norteamérica por Laguna Films.
Entre las cosas que lo hicieron querido por el
público estaba el uso cómico del lenguaje en sus películas; sus personajes (los
cuales casi todos era una variación del mismo personaje pero en diferentes
papeles y situaciones) entablaban una conversación normal para después
complicarla al punto de que nadie entendía lo que estaba diciendo. El personaje
de Cantinflas era particularmente adepto para ofuscar la conversación cuando le
debía dinero a alguien, al cortejar señoritas o al tratar de salir de problemas
con las autoridades, arreglándoselas para humillarlas sin que se dieran cuenta.
A esta forma de hablar se le llamó Cantinfleada y se convirtió en español en
una forma de decir ¡estás cantinfleando! cada vez que a alguien le era difícil
entender la conversación. La Real Academia Española incluyó el verbo
cantinflear y las palabras cantinflas y cantinfleada en su diccionario en 1992.
En el campo de las artes visuales, artistas de
la talla de Rufino Tamayo y Diego Rivera pintaron a Cantinflas como un símbolo
del hombre mexicano. La banda de punk americana Mindless Self Indulgence grabó
una canción sobre Cantinflas llamada "Whipstickagostop".
El estilo de Cantinflas y el contenido de sus
películas llevó a muchos estudiantes a concluir que él había influenciado los
muchos teatros que pasaban el mensaje del Movimiento Chicano durante los años
60s y 70s en los Estados Unidos, de los cuales, el más importante era El Teatro
Campesino. El movimiento del teatro era una parte importante del renacimiento
cultural que era la contraparte social del movimiento político por los derechos
civiles de los mexico-norteamericanos. Su uso de los estilos y temas sociales
es visto como un precursor del teatro Chicano.
En los años 70s apareció una serie de dibujos
animados llamado "El Show de Cantinflas" protagonizada por una
caricatura animada de Cantinflas. El show era dirigido a los niños y tenía un
propósio educativo. El personaje animado era llamado "Amigo" y se
concentraba en una variedad de temas para educar a los niños que iban desde el
origen del fútbol hasta el origen de la Línea Internacional del Tiempo.
Aunque Cantinflas nunca logró en Estados
Unidos el mismo éxito que cosechó en México, fue homenajeado con una estrella
en el Paseo de la Fama de Hollywood. Recibió dos nominaciones al premio Globo
de Oro en la categoría de mejor actor y el reconocimiento a los logros de su
vida por parte de la Academia Mexicana del Filme.
El premio Mario Moreno "Cantinflas"
es entregado anualmente a los actores del entretenimiento que "representan
a la comunidad latina con el mismo humor y distinción que el legendario
Cantinflas" y que, como Cantinflas, usan su poder para ayudar a los más
necesitados.
En el 2002, el estadounidense - salvadoreño
(aunque él se describe como chicano) Herbert Sigüenza, artista, comediante y
miembro de Culture Clash, comenzó a actuar en un monólogo acerca de Cantinflas
que hizo gira por todo el país. La obra, hablada en inglés y español, incorporó
rasgos comunes en las películas de Cantinflas y recreó muchas de las rutinas de
comedia del actor, tal como su caminar característico. Las películas de Cantinflas
son distribuidos en norteamérica por Laguna Films.
Cantinflas a veces es visto como el personaje
Groucho Marx, el que con sus habilidades lingüísticas ataca a los ricos,
poderosos, la policía e incluso el gobierno. El historiador y autor de
Cantinflas y el Caos de la Modernidad Mexicana escribe: "Cantinflas
simboliza el peladito que triunfa sobre los poderosos usando sus trucos" y
presenta a Cantinflas como la imagen misma del México de la transición.
Gregorio Luke, director ejecutivo del Museo de Arte Latinoamericano dijo:
"entender a Cantinflas es entender lo que ha pasado en México en todo el
siglo pasado".
Por su parte, Monsiváis interpreta sus
representaciones en términos de la importancia de la palabra hablada en el
contexto del "analfabetismo reinante" de México (70% en 1930).
Particularmente en la película El Analfabeto, "Cantinflas es el iletrado
que toma control del lenguaje como puede".
El periodista Salvador Novo interpreta el
papel de los personajes de Moreno totalmente en términos de Cantinflismo:
"En condensarlos: en entregar a la saludable carcajada del pueblo la
esencia demagógica de su vacuo confusionismo, estriba el mérito y se asegura la
gloria de este hijo cazurro de la ciudad ladina y burlona de México, que es
Cantinflas".\
En su biografía de la comicidad, el estudiante
de cultura mexicana Jeffrey M. Pilcher, ve a Cantinflas como una metáfora del
"caos de la modernidad mexicana", una realidad que estaba fuera del
alcance para la mayoría de los mexicanos. "Su lenguaje enredoso expresaba
elocuentemente las contradicciones de la modernidad como 'el momento palpitante
de todo lo que quiere ser y no puede'. De igual forma 'las jerarquías sociales,
los patrones del lenguaje, las identidades étnicas, y las formas masculinas de
comportamiento, todos cayeron ante su humor caótico para ser reformuladas en
nuevas formas revolucionarias'
http://realeza.foros.ws/t513/actores-y-actrices-de-todos-los-tiempos/75/
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